Το καλάθι σας είναι άδειο
Θα υπάρχει πάντα πολλή συζήτηση για την καλύτερη εποχή για τον κινηματογράφο. Για τα δύο σεντς μου, θα πω με μεγάλη σιγουριά ότι η καλύτερη περίοδος στην ιστορία του κινηματογράφου ήταν η δεκαετία του '70.
Υπήρξε σίγουρα μια μετάβαση κατά τη διάρκεια αυτής της δεκαετίας που είδε τον κινηματογράφο στα τέλη της δεκαετίας του '60 να συνεχίζεται, μέχρι τη γέννηση του blockbuster όπως το ξέρουμε σήμερα.
Θα μπορούσαμε σχεδόν να χωρίσουμε τα 70s σε δύο κατηγορίες, αν και θα αναφέρω και υποκατηγορίες όπως η περίοδος Blaxploitation. Από τη μια, οι σκηνοθέτες άρχισαν να απομακρύνονται όσο το δυνατόν περισσότερο από τον παραδοσιακό κώδικα παραγωγής του Χόλιγουντ.
Βρείτε τα καλύτερα pin-up από τις δεκαετίες του '50 και του '60 !
Τα όρια ξεπεράστηκαν και η αισιοδοξία αντικαταστάθηκε από βαθιά απαισιόδοξη δουλειά. Δεν είχαν όλα αίσιο τέλος. Τα πράγματα γίνονταν πιο σκοτεινά, αντανακλώντας μια δύσκολη περίοδο στην κοινωνική ιστορία, καθώς περάσαμε από την εποχή των πολιτικών δικαιωμάτων στην εποχή του Νίξον, του Βιετνάμ και της οικονομικής πάλης σε όλη τη Δύση. Τελικά, τα πράγματα θα μετακινούνταν από τις εντάσεις στην Άπω Ανατολή στις εντάσεις με τη Ρωσία.
Ο τελευταίος παγκόσμιος πόλεμος ήταν ακόμα σχετικά πρόσφατος και οι βίαιες συγκρούσεις στα τέλη της δεκαετίας του 1960 και η αίσθηση ανησυχίας που συνόδευε αυτές τις συγκρούσεις έκαναν αυτή την περίοδο μια ανησυχητική και ανησυχητική περίοδο στην κοινωνική ιστορία. Όπως συμβαίνει με όλα τα πράγματα, αυτό αντικατοπτρίζεται στον κινηματογράφο.
Αυτό μερικές φορές μπορεί να λειτουργήσει με διάφορους τρόπους. Υπάρχει είτε μια κλίση προς τον κοινωνικά αναστοχαστικό κινηματογράφο ή περισσότερο προς τον escapist σινεμά και προς τα τέλη της δεκαετίας του 70 είδαμε τη μετάβαση από τον πρώτο στο δεύτερο.
Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, αυτές οι πιο γενναίες ταινίες και ένα νέο κύμα φρέσκων και αναζωογονητών σκηνοθετών, όπως ο Φράνσις Φορντ Κόπολα και ο Μάρτιν Σκορσέζε για παράδειγμα, πρόσφεραν μια συχνά λιτή αλλά κομψή επιλογή ταινιών.
Ομοίως, μια ομάδα εξαιρετικά υποσχόμενων ηθοποιών (και ηθοποιών) όπως ο Ρόμπερτ Ντε Νίρο, ο Αλ Πατσίνο, ο Ντάστιν Χόφμαν, ο Τζακ Νίκολσον, η Μέριλ Στριπ και ο Χάρβεϊ Κάιτελ θα άρχισαν να αντικαθιστούν τους πιο άτυπους αστέρες του Χόλιγουντ. καλούπι Cary Grant κ.λπ. Θα συνέχιζαν να χαράζουν ένα μονοπάτι που κάποιος σαν τον Μάρλον Μπράντο είχε αρχίσει να χαράζει.
Η μεθοδολογική προσέγγιση θα γίνει πολύ πιο κοινή σε αυτήν την εποχή και θα καθιερώσει σταθερά μια τολμηρή και τολμηρή προσέγγιση για να υιοθετήσουν οι μελλοντικοί παίκτες. Ομοίως, στην κωμωδία, οι σωματικές ατάκες του Τζέρι Λιούις αντικαταστάθηκαν από τις νευρωτικές σκέψεις σκηνοθετών όπως ο Γούντι Άλεν και ο Άλμπερτ Μπρουκς . Αυτό που γνωρίζουμε πιο πρόσφατα ως mumblecore, βασίζεται σε μεγάλο βαθμό στα έργα του Άλεν κ.λπ.
Χωρίς να υπεισέλθω σε πολλές λεπτομέρειες σχετικά με το πώς λειτούργησαν αυτές οι ταινίες, επειδή κάθε ταινία που θα μπορούσα να ονομάσω αξίζει ένα βιβλίο θεωρητικών από μόνη της, είναι αυτονόητο ότι ο όγκος του κλασικού κινηματογράφου που βγήκε αυτή τη δεκαετία είναι εκπληκτικός.
Ναι, θα ήταν πολύ εύκολο να κουνήσετε απλώς το δάχτυλο σε δύο νονούς και να τους αποκαλέσετε την κορυφή του κινηματογράφου. Είναι αναμφίβολα αριστουργήματα. Ξέρουμε γιατί. Οπότε θα τους αποφύγω. Η φήμη τους προηγείται.
Παραμένοντας με τον Κόπολα, θα μιλήσω λίγο για ένα κλασικό παράδειγμα ταινίας που ενσαρκώνει τέλεια την προσέγγιση του κινηματογράφου της δεκαετίας του '70. Ήταν επίκαιρη, προκλητική και σκοτεινή. Ήταν επίσης ένα παράδειγμα μιας από τις πιο δυστυχώς τοποθετημένες ταινίες στο βιογραφικό ενός σκηνοθέτη στην ιστορία.
Αυτή η ταινία δεν θα μπορούσε να είναι χειρότερη από ό,τι ήταν, καθώς η ίδια η τοποθέτηση είδε την ταινία να ρουφήχτηκε σε μια μαύρη τρύπα. Επισκιάστηκε εντελώς από όσα προηγήθηκαν και ακολούθησαν.
Αυτή είναι η Συνομιλία, η μινιμαλιστική, απλή, απογυμνωμένη ταινία που μπήκε ανάμεσα στις δύο πρώτες μεγαλειώδεις ταινίες του Κόπολα, Ο Νονός. Από μόνη της, το The Conversation είναι μια λαμπρή ταινία. Είναι ένα αριστούργημα. Συναρπαστικό, ευφυές, εξαιρετικά γραμμένο και με έναν περίεργο τρόπο φαίνεται σαν εκ των υστέρων. Φαίνεται ότι γεμίζει χρόνο.
Γεμίζει ένα κενό ανάμεσα στα έπη των γκάνγκστερ. Από κάθε ακριβό και περίτεχνο σκηνικό, από τη σκηνοθεσία και το μοντάζ του Νονού, μέχρι το όμορφα απλό καδράρισμα και την ακινησία του The Conversation.
Αυτή η ταινία αξίζει να είναι στο top 100. Εντάξει, μπορεί να μην έχει το εμβληματικό σχέδιο του εξαιρετικού γκανγκστερικού διδύμου του Coppola (δεν θα αναφέρουμε το τρίτο μέρος), αλλά ο Gene Hackman δίνει μια από τις πιο εσωστρεφείς και αποτελεσματικές ερμηνείες του, στο μια ταινία με εξαιρετικό ηχητικό σχέδιο και μια συναρπαστική απεικόνιση νευρικού κλονισμού λόγω παράνοιας.
Δεν μπορώ να τονίσω αρκετά σε όσους το έχασαν, αλλά πρέπει οπωσδήποτε να παρακολουθήσετε το The Conversation.
Ο Κόπολα θα τελείωνε τη δεκαετία με ένα εκτεταμένο πολεμικό έπος που, στιλιστικά, είναι το αντίθετο της απλής προσέγγισης που χρησιμοποίησε στο προαναφερθέν Hackman
Το Apocalypse Now ήταν μια επίπονη δοκιμασία. Παραλίγο να κοστίσει τη ζωή του στον Μάρτιν Σιν. Ο Κόπολα ακολούθησε μια τελειομανή προσέγγιση σε αυτό. Κάθε εικόνα κάθε σκηνής είναι τέχνη. Είναι μια εκπληκτική ταινία με εντυπωσιακά οπτικά στοιχεία που παίζουν υπέροχα με τη ζοφερή φρίκη αυτού που πραγματικά απεικονίζει.
Τα πάντα, από τα τεράστια, οπτικά εκθαμβωτικά σκηνικά μέχρι την οικειότητα της απόκοσμης αλλά έντονα καθηλωτικής ερμηνείας του Μάρλον Μπράντο είναι ένα ιδιοφυές έργο που καθορίζει το είδος.
Αν υπάρχει κάτι που ενσωματώνει τέλεια τα πρότυπα της δεκαετίας του '70 σε σύγκριση με τα υπόλοιπα, αυτό είναι το βιογραφικό του Coppola. Έκανε εξαιρετική δουλειά κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του '80 (I love Rumble Fish) αλλά τίποτα σαν το έπος του Corleone, το επικό Nam ή ακόμα και το The Conversation.
Ο Σκορσέζε ξεκίνησε το Mean Streets, μια ακατέργαστη και κομψή γκανγκστερική ταινία που έδειχνε μια πολύ λιγότερο ρομαντική και μοντέρνα (τότε) απεικόνιση των... καλών... κακών δρόμων.
Η δεκαετία του 1970 ήταν μια περίοδος ωμής και πειραματικής Σκορσέζε. Η μεγάλη στιγμή ερχόταν και, ως ένα βαθμό, αυτή η νευρική, δημιουργική ζωντάνια που είχε φτάσει στο αποκορύφωμά της στο τέλος της δεκαετίας με το Raging Bull.
Στις αρχές της δεκαετίας του '80 είχε τελειοποιήσει την τέχνη του και σε δέκα χρόνια θα σκηνοθετούσε ένα αριστούργημα στο Goodfellas . Ωστόσο, μια από τις πιο κομψές και εσωστρεφείς ταινίες του είναι το Taxi Driver .
Είναι ένας σκηνοθέτης σε ανοδική πορεία, γεμάτος νέες ιδέες, τόλμη και ένστικτο. Ο Ντε Νίρο ήταν συναρπαστικός. Σχεδόν το 90% αυτού που κάνει την απόδοσή του τόσο μαγευτική είναι εσωτερικό. Ο Travis Bickle προσελκύει το κοινό, απαιτώντας την προσοχή και την ερμηνεία μας.
Η ταινία δεν μοιάζει με οτιδήποτε έχει κάνει ο Σκορσέζε έκτοτε. Τελικά, ήταν και επίκαιρο. Ήταν μια άτυπη ταινία της δεκαετίας του 1970 και οι ρομαντικές απεικονίσεις της Νέας Υόρκης έχουν σε μεγάλο βαθμό εξαφανιστεί, αντικαταστάθηκαν από ταινίες όπως ο οδηγός ταξί. Δείτε επίσης Λος Άντζελες, Σικάγο και Σαν Φρανσίσκο. Οι σκηνοθέτες έδειξαν τώρα τι συνέβη στα παρασκήνια.
Ακόμη και σε μια ταινία εποχής, όλα ήταν πολύ μοντέρνα. Η Chinatown, για παράδειγμα, έπαιζε σαν μια παλιά μαύρη τσίχλα, αλλά τα πάντα πάνω της έσταζαν (εξαιρετικά) την απαισιοδοξία της δεκαετίας του 1970.
Αυτή η εποχή δεν αφορούσε μόνο φωτοβολίδες και μεγάλα μαλλιά, μακριά από αυτό, και σίγουρα όχι κινηματογραφικά. Ο Τζακ Νίκολσον καθιερωνόταν σταθερά στο νέο κύμα, ενώ ως σκηνοθέτης ο Ρομάν Πολάνσκι άρχιζε να φτιάχνει όνομα εκτός Ευρώπης (και πριν κάνει όνομα για κάτι στην πραγματικότητα λιγότερο νόστιμο).
Η ταινία, η οποία είναι ένα καλό παράδειγμα σεναρίου (Ρόμπερτ Τάουν) όπως μπορείτε να δείτε, είναι αναμφισβήτητα απαίσια και δεν πτοείται από οτιδήποτε απεικονίζει, είτε πρόκειται για εταιρική διαφθορά είτε για αστυνομία ή για αιμομιξικό βιασμό.
Καθώς οι αθάνατες τελευταίες λέξεις, " It's Chinatown ", ακούγονται μετά από ένα από τα πιο σκοτεινά και συγκινητικά τελειώματα του κινηματογράφου, ο θεατής σπάει, αλλά η λαβή, αυτή η σαγηνευτική και παθιασμένη κατάσταση θέασης, απελευθερώνεται. Η Chinatown, όπως και πολλά σινεμά εκείνης της εποχής, μένει μαζί σας.
Μπορείτε να παρακολουθήσετε μια ολόκληρη σειρά από δύσκολες, σκοτεινές και δυνατές ταινίες από την εποχή, από μεγάλο προϋπολογισμό έως χαμηλό προϋπολογισμό. The French Connection, Marathon Man , τα υπέροχα ακατέργαστα και σπλαχνικά Badlands.
Ομοίως, όταν βλέπετε μια ταινία όπως το All The Presidents Men , δείχνει ότι οι κινηματογραφιστές δεν φοβούνται την άμεση ιστορία. Ασχολήθηκαν με το εδώ και τώρα, μην αφήνοντας πρώτα τις πληγές να επουλωθούν.
Υπάρχει λοιπόν μια ομάδα ανερχόμενων σταρ και σκηνοθετών που πρωτοστατούν σε νέα και αναζωογονητικά στυλ. Αλλά εν τω μεταξύ, καθιερωμένοι σταρ και σκηνοθέτες εξακολουθούσαν να δουλεύουν.
Ο Μπράντο , ο οποίος ξαναέγραψε τους κανόνες του παιχνιδιού στη δεκαετία του 1950, παρήγαγε ακόμα εμβληματικά σόου για τον Κόπολα. Ο Sidney Lumet , ένας σκηνοθέτης που ενέπνευσε πολλούς ανερχόμενους σκηνοθέτες της δεκαετίας του '70 (συμπεριλαμβανομένων των FFC και Scorsese), παρήγαγε ακόμα μερικά από τα καλύτερα έργα του, όπως το Dog Day Afternoon και το Serpico (που δεν έκαναν πάταγο στις αναπαραστάσεις κοινωνικής αναταραχής και θεσμική διαφθορά).
Αυτή η εποχή ήταν επίσης μια κομβική περίοδος στον κινηματογράφο εκμετάλλευσης. Σκηνοθέτες όπως ο Michael Winner (Death Wish) και ο Abel Ferrara μπαίνουν στην αρένα. Το σινεμά τους ήταν ατημέλητο, λίγο άχρηστο, αλλά παράξενα διορατικό.
Ανάμεσα στα υπολείμματα του Death Wish είναι μερικά ενδεικτικά κοινωνικά σχόλια. Δεν μιλά μόνο για το σκηνικό της πόλης της Αμερικανικής Πόλης, αλλά και για ολόκληρη τη δυτική κοινωνία εκείνη την εποχή. Πρόκειται για μια ταινία που θα μπορούσε εξίσου εύκολα να γυριστεί και να διαδραματιστεί στο Λονδίνο.
Πράγματι, αν κοιτάξετε τον σκοτεινό και αισιόδοξο κόσμο του Get Carter (Mike Hodges), οι Βρετανοί φαινόταν σίγουρα να θέλουν να απομακρυνθούν από τις ρομαντικές απεικονίσεις της ζωής της πόλης. Αν φιγούρες όπως ο Κόπολα διέλυσαν τον παραδοσιακό χαρακτήρα, όπως τα άκαμπτα σχήματα λήψης, ο φωτισμός τριών σημείων κ.λπ. Επίσης, χωρίς λόγο, ξεπέρασαν τα όρια της επιτροπής αξιολόγησης.
Ήταν μια εποχή που οι πορνογραφικές ταινίες ήταν πολύ συνηθισμένες. Ο κωδικός παραγωγής του Χόλιγουντ φλεγόταν. Όλοι πίεζαν τα επίπεδα του γούστου και της ευπρέπειας και δοκίμαζαν την τύχη τους. Deep Throat, Debbie Does Dallas και άλλοι.
Ταυτόχρονα, είδαμε ένα έντονο μαύρο κίνημα με την άνοδο του κινηματογράφου . Ξαφνικά, εμφανίστηκε ένας πληθυσμός που δεν είχε ληφθεί υπόψη πριν.
Φυσικά σε αυτό συνέβαλε το κίνημα για τα πολιτικά δικαιώματα. Δεν ήταν μόνο το άτυπο τυπικό κοινό (συχνά θεωρείται από το Χόλιγουντ λευκοί άνδρες και το πολύ λευκές γυναίκες) που απαιτούσε έναν πιο ρεαλιστικό και πιο ακατέργαστο κινηματογράφο, υπήρχε επίσης ένα μειοψηφικό κοινό που ζητούσε κάτι για τον εαυτό του.
Ενώ ο Πατσίνο και ο Ντε Νίρο κ.λπ. έκαναν το δικό τους (με τις δικές τους ξεχωριστές ιταλικές/αμερικανικές ταυτότητες), είδαμε αστέρια όπως ο Richard Roundtree , ο Fred Williamson , η Pam Grier και ο Jim Killy να πρωταγωνιστούν σε μια συλλογή μοντέρνων ταινιών εκμετάλλευσης με μοντέρνες στάσεις.
Είτε ήταν Shaft , Coffy , ή Foxy Brown , αυτές οι ταινίες δεν ήταν εντελώς ρεαλιστικές. Ήταν βασικά ταινίες κόμικς με μια λεμονάτη τρισδιάστατη ανατροπή.
Κατά κάποιο τρόπο, αυτές οι ταινίες ήταν ένας τρόπος παράκαμψης της παράδοσης και ακόμη και του Νέου Κύματος του Χόλιγουντ (το οποίο είχε αρχίσει να εμφανίζει συχνά μαύρους χαρακτήρες ως μέρος εγκληματικών συμμοριών κ.λπ.)
Αυτό που δείχνει όλο αυτό είναι πόσο υπέροχα εκλεκτικός ήταν ο αμερικανικός και βρετανικός κινηματογράφος. Παράλληλα, υπήρχε πολύ πειραματικό σινεμά.
Ο κόσμος απομακρύνονταν από τα συστήματα στούντιο. Μια ομάδα αποφοίτων σχολών κινηματογράφου έφτιαχνε τις δικές της ταινίες χαμηλού προϋπολογισμού και έβρισκε εφαλτήρια για μεγαλύτερα έργα (Scorsese, Ferrara, FFC, κ.λπ.).
Άνθρωποι όπως ο Terrence Malick ή ο John Cassavetes ήταν πολύ ασυνήθιστοι στη στιλιστική τους προσέγγιση και στον τρόπο που έλεγαν ιστορίες. Ο Κασσαβέτης, συγκεκριμένα, είχε ένα πολύ ωμό ύφος, αλλά υπήρχε μια παρατηρητική αλήθεια σε ό,τι έκανε.
Το ενδιαφέρον σινεμά δεν περιοριζόταν μόνο στη Δύση, φυσικά. Αλλά ως ένα βαθμό, απλώς προλαβαίνει αυτό που έχει ήδη κάνει ο ανατολικός κινηματογράφος και η Ευρώπη.
Εν τω μεταξύ, παρά τις εντάσεις, ο κινηματογράφος της Ανατολικής Ευρώπης είχε αρχίσει να προσελκύει την προσοχή στις Ηνωμένες Πολιτείες. Στην πραγματικότητα, η εκτίμηση του παγκόσμιου κινηματογράφου από τον θεατή γίνεται όλο και πιο οξυδερκής και ανοιχτή σε ευρύτερες επιρροές.
Ο Αντρέι Ταρκόφσκι συνδύασε υπέροχα την τέχνη και την αισθητική της φωτογραφίας με την κινούμενη εικόνα. Άνοιξε το δρόμο για μια ομάδα Ρώσων και Ανατολικοευρωπαίων σκηνοθετών. Ο γαλλικός κινηματογράφος είχε ήδη καταλάβει ένα μεγάλο μέρος του γκρουπ. Ο αμερικανικός κινηματογράφος ήταν πλέον, στα τέλη της δεκαετίας του 1950, στη δεκαετία του 1960, ενώ πειραματιστές όπως ο Γκοντάρ συνέχισαν να εργάζονται σταθερά.
Όπως είπα, θα μπορούσα να αφιερώσω ολόκληρα άρθρα σε κάθε άτομο που αναφέρεται, αλλά δεν είμαι σίγουρος ότι το Διαδίκτυο έχει την ικανότητα αποθήκευσης για τις περιπέτειές μου. Οι προαναφερθέντες Polanksi και Milos Forman θα έκαναν επίσης το άλμα από τις χώρες τους στη φήμη του Χόλιγουντ.
Οι ταινίες τρόμου έφεραν επανάσταση στο στυλ τους. Παίρνουν τους σπόρους που ράβουν χαρακτήρες όπως ο Χίτσκοκ ή ο Μάικλ Πάουελ (Πιπινγκ Τομ). Οι στιλιστικές προσεγγίσεις ωθούνται και τα όρια υπερισχύουν όσον αφορά την παρακολούθηση βίντεο, τα χρώματα και το μοντάζ.
Τέλος, τα πράγματα γίνονται όλο και πιο σκοτεινά (σατανικά), τρομακτικά ή αιματηρά. Είχαμε τον Εξορκιστή, το Μωρό της Ρόζμαρι, τον Οιωνό και μετά τις ταινίες Giallo που μας ήρθαν από την Ιταλία . ο Dario Argento , με ηλεκτρισμένες ταινίες τρόμου όπως το Deep Red και το Suspiria , ένα κίνημα δημιουργικών σκηνοθετών που πιέζουν τα όρια, χωρίς περιορισμούς.
Στα τέλη της δεκαετίας του '70, ο John Carpenter ήρθε και ξαναέγραψε τους κανόνες του slasher, που οδήγησαν σε μια σειρά από μιμήσεις και franchise σε όλη τη δεκαετία του '80.
Όπως ανέφερα προηγουμένως, τα πράγματα γίνονταν σταδιακά πιο ξεκάθαρα προς το τέλος της δεκαετίας, καθώς το κοινό χρειαζόταν πλέον λίγη απόδραση. Ξαφνικά είδαμε ελπίδα και καλοσύνη.
Λίγη φαντασία που και που. Από το Dirty Harry , το Deliverance και το Don't Look Now , μέχρι ταινίες όπως το Rocky, το Close Encounters of the Third Kind , το Grease και, φυσικά, το Star Wars . Σήμερα, οι κινηματογραφιστές επιδιώκουν όλο και περισσότερο να αποσπάσουν έσοδα από τα box office αντί να αμφισβητήσουν την πνευματική ή κοινωνική συνείδηση του κοινού.
Υπήρχε ακόμα ένα μείγμα στη δεκαετία του '80, αλλά το τοπίο άλλαζε σίγουρα προς τη φαντασία. Είτε πρόκειται για ιστορίες αουτσάιντερ είτε για διαστημικές περιπέτειες. Η πραγματικότητα της εποχής μετά τον Νίξον-Ναμ γινόταν δύσκολο να αφομοιωθεί. Οι άνθρωποι ήθελαν να δουν την πραγματικότητα, αλλά και την έζησαν. Χρειάζονταν κάτι διαφορετικό.
Σε κάποιον όπως ο Rocky Balboa, για παράδειγμα, έδειξε κάποια ελπίδα. Ότι ακόμα και σε αυτούς τους βρόμικους δρόμους για τον απλό άνθρωπο υπήρχε περίπτωση κάτι μεγαλύτερο.
εύρος ζώνης του Flickering Myth με πολλά περισσότερα, θα σας ρωτήσω και ποιες είναι οι αγαπημένες σας ταινίες από τη δεκαετία του '70 και, όντως, υπάρχει καλύτερη εποχή για τον κινηματογράφο;
Απλώς ψάξτε στο google μια λίστα με ταινίες από τη δεκαετία του '70 για να δείτε ποια ήταν η εξαιρετική (παγκόσμια) απόδοση εκείνης της δεκαετίας. Δεν νομίζω ότι μπορούμε να την ξεπεράσουμε.
Μπορείτε επίσης να βρείτε τις 100 καλύτερες ταινίες μας που γυρίστηκαν στη Νέα Υόρκη από όλες τις περιόδους!
Τα σχόλια εγκρίνονται πριν από τη δημοσίευση.
